Прокофьев С. С. Энциклопедия музыки - Великие Композиторы «Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете»

Мемориальная квартира Святослава Рихтера

Ансамбль «Проект Classica. Plus»

В рамках юбилейного года С.С. Прокофьева в Мемориальной квартире Святослава Рихтера состоится концерт инструментального трио «Проект Classica. Plus» с программой из произведений Сергея Прокофьева (1891-1953) и его современников - Богуслава Мартину (1890-1959) и Белы Бартока (1881-1945).

Трех этих композиторов ХХ столетия объединяет не только общее время, насыщенная и трагическая история прошлого века (на биографию каждого пришлось и две мировых войны, и опыт эмиграции). Все трое - яркие представители разных национальных школ, которые шли во многом схожим путем стилевых поисков и языковых экспериментов - антиромантические настроения и увлечение неоклассицизмом, ритмическая изобретательность и тонкие лирические образы, но главное, обретение неповторимой, индивидуальной интонации.

Программа концерта охватывает сочинения, написанные хронологически очень близко, в течение одного десятилетия - со второй половины 1930-х до середины 1940-х годов. И в каждом из них особенно ярко проявляется авторский почерк. Шестая соната С. Прокофьева (1939) - одно из самых мощных фортепианных произведений композитора; не случайно Святослав Рихтер услышал в нем «сокрушающий пульс ХХ века». Соната для флейты и фортепиано (1942-1943), написанная в годы Великой Отечественной войны - один из образцов тонкой лирики Прокофьева. «Мне хотелось, чтобы соната звучала в светлых и прозрачных классических тонах» - писал композитор.

Редко исполняемая «Маленькая сюита для фортепиано» Б. Бартока (1936) - авторское переложение пяти пьес из цикла «44 этюда для двух скрипок». Эти очаровательные миниатюры с вкраплениями венгерского фольклора - блестящий пример мастерства транскрипции, в которой при этом сохраняется характер подлинника.

Трио для флейты, виолончели и фортепиано Б. Мартину (1944) - сочинение, созданное композитором уже после отъезда из Чехии в Америку. Пережив тяжелую пору депрессии, вызванную расставанием с родиной, Мартину всего за несколько дней написал этот светлый и прозрачный ансамбль, исполненный нежной любви к родине, к национальным корням. Не случайно после премьеры трио американский композитор и критик Вирджил Томсон назвал его «подлинным бриллиантом, сверкающим радостью и звуковыми красками».

«Проект Classica. Plus» - ансамбль музыкантов, которые стремятся раздвинуть рамки традиционного классического концерта, представляя публике оригинальные музыкальные программы и яркие сюжеты из музыкальной истории.

Наталья Жукова (флейта) - закончила Санкт-Петербургскую государственную консерваторию, затем аспирантуру в Университете им. Антона Брукнера (Линц, Австрия) по классу флейты у профессора Норберта Гирлингера. Организатор «Проекта Classica. Plus». лауреат международных конкурсов.

Валерия Есауленко (фортепиано) - выпускница Московской государственной консерватории, училась у Екатерины Андреевны Леденёвой, лауреат международных конкурсов, дважды стипендиат министерства культуры.

Евгения Богинская (виолончель) - студентка пятого курса Московской государственной консерватории по классу виолончели у профессора Игоря Ивановича Гаврыша, лауреат международных конкурсов и фестивалей.

Ковалёва Н.

Биографии и параллели в жизни и творчестве двух великих композиторов С.С.ПРОКОФЬЕВА и Д.Д.ШОСТАКОВИЧ А

Скачать:

Предварительный просмотр:

МОУ ДОД КИРИШСКАЯ ДШИ

ТВОРЧЕСКАЯ РАБОТА

«СОВРЕМЕННИКИ»
С.С.ПРОКОФЬЕВ и Д.Д.ШОСТАКОВИЧ

7 класс музыкального отделения

Преподаватель Кузовникова Р.М.

2011г.

СЕРГЕЙ СЕРГЕЕВИЧ ПРОКОФЬЕВ (1891-1953)

РЕБЕНКУ БОГОВ, ПРОКОФЬЕВУ

К. Бальмонт

Ты – солнечный богач.

Ты пьешь, как мед, закат.

Твое вино - рассвет.

Твои созвучья, в хоре,

Торопятся принять

В спешащем разговоре

Цветов загрезивших певучий аромат.

Вдруг в золотой поток ты ночь обрушить рад.

Там где-то далеко рассыпчатые зори

Как нитка жемчугов, и в световом их споре

Темнеющий растет в угрозном гуле сад.

И ты, забыв себя, но сохранивши свет

Степного ковыля, вспоенного весной,

В мерцаниях мечты, все новой, все иной,

С травинкой поиграл в вопросы и ответы,

И в звук свой, заронив поющие приметы,

В ночи играешь в мяч с серебряной луной.

ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО С. С. ПРОКОФЬЕВА

1891 год – 23 апреля в имении Сонцовка Екатеринославской губернии в семье управляющего родился С.С. Прокофьев. Мальчик любит природу. Мать занимается с сыном музыкой, иностранными языками. Сережа пытается фантазировать на рояле, сочиняет. Среди первых его произведений – «Индийский галоп».

1900 год – Поездка в Москву. Посещение Большого театра. Пишет оперу «Великан» на собственное либретто.

1901-1902 годы – Постановка оперы «Великан» с автором в главной роли в доме дяди Прокофьева. Пишет оперу «На пустынных берегах».

1. год – Мальчик имеет незаурядные способности. По совету Танеева начинает занятия с Р. Глиэром. Пишет симфонию и оперу на пушкинский сюжет «Пир во время чумы».
2. год – Прокофьев поступает в консерваторию в Санкт-Петербурге. Экзамен возглавлял Римский-Корсаков. Сережа представил на экзамен партитуры четырех опер, двух сонат, симфоний, несколько фортепианных пьес. В консерватории инструментовку Прокофьеву преподает Римский-Корсаков, а контрапункт – А. Лядов.

1909 год – Прокофьев заканчивает консерваторию как композитор. На выпускном экзамене представил Шестую сонату и финал оперы «Пир во время чумы».

1. год – Заканчивает консерваторию по классу фортепиано, блестяще сдает экзамены. Прокофьеву присуждена первая премия имени Рубинштейна – прекрасный рояль. Прокофьев – один из крупнейших композиторов, пианистов-виртуозов.
2. год – Музыка Прокофьева отличается дерзостью, «варваризмами». Занимается дирижированием у Н.Н. Черепнина, впоследствии становится замечательным дирижером. Пишет Первый фортепианный концерт, названный «футбольным», симфонию ми-минор, шесть сонат, множество фортепианных пьес, оперу «Маддалена», Второй фортепианный концерт.

Прокофьев едет в Лондон, Рим, Неаполь. В Лондоне состоялась первая встреча композитора с С. Дягилевым. С успехом проходят фортепианные вечера Прокофьева. Композитор возвращается на родину и активно принимается за творчество, пишет балет «Ала и Лолий», впоследствии переработанный в «Скифскую сюиту», фортепианный цикл «Сарказмы», вокальную сказку «Гадкий утенок», оперы «Игрок», «Любовь к трем апельсинам», Третий фортепианный концерт.

1. год – Прокофьев едет на курорт в Ессентуки. Знакомится с В. Маяковским. Пишет концерт для скрипки с оркестром, Третью и четвертую фортепианные сонаты, цикл «Мимолетности» и «Классическую» симфонию.
2. год - После революции Прокофьев выезжает за рубеж. Едет поездом из Петрограда до Владивостока, добирается до Токио. Ждет визу на въезд в США, где проходят его концерты. Затем он оказывается в Сан-Франциско, потом в Нью-Йорке. В США американская публика не проявляет интерес к композитору, его музыку не всегда принимают.

1921 год - Прокофьев перебирается в Париж, оттуда совершает гастрольные поездки. Сближается с композиторами Онеггером, Мийо, Пуленком, Рахманиновым, Равелем, композиторами «Шестерки», художниками Пикассо и Матиссом, Чарли Чаплиной, дирижерами Стоковским, Кусевицким, Тосканини. Продолжает сотрудничество с Дягилевым. Для его труппы пишет балеты «Стальной скок», «Блудный сын», «На Днепре».

1927, 1929, 1932 годы – Прокофьев приезжает в Россию с гастролями. Концерты проходят с триумфом.

1933 год – Прокофьев возвращается на родину, в Россию. Первые пять лет ездит на гастроли, затем выезжать из страны ему запретили. Резко меняется тематика творчества Прокофьева. Композитор пишет музыку к кинофильмам Сергея Эйзенштейна «Александр Невский», «Иван Грозный», оперы «Семен Котко», «Повесть о настоящем человеке», ораторию «На страже мира», балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка», «Сказ о каменном цветке», оперу «Обручение в монастыре» («Дуэнья»), фортепианные произведения.

1941 год – С началом Великой Отечественной войны Прокофьев эвакуируется на Кавказ.

1943 год – Прокофьев возвращается в Москву. Резко ухудшается здоровье. Прокофьев попадает в жерло советской идеологии. Музыка Прокофьева признана критикой формалистической (поверхностной) и антинародной. Работа над оперой «Война и мир». Работа занимает много лет. Последнее произведение композитора - Седьмая симфония. Гениальный симфонический цикл - настоящее завещание великого Мастера потомкам.

1953 год - Прокофьев умер 5 марта, в один день со Сталиным. Смерть композитора на фоне официальной скорби прошла совершенно незамеченной. Хоронили его лишь самые близкие друзья.

ДМИТРИЙ ДМИТРИЕВИЧ ШОСТАКОВИЧ (1906-1975)

Музыка А.Ахматова

В ней что-то чудотворное горит,

И на глазах ее края гранятся.

Она одна со мною говорит,

Когда другие подойти боятся.

Когда последний друг отвел глаза,

Она была со мной в моей могиле

И пела, словно первая гроза,

Иль будто все цветы заговорили.

ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО Д. Д. ШОСТАКОВИЧА

1906 год – Дмитрий Шостакович родился 25 сентября в Петербурге в интеллигентной семье. Мама будущего композитора имела музыкальное образование. Отец был инженером-химиком. Начал заниматься музыкой поздно. Успехи были ошеломляющие не только по фортепиано, но и в композиции.

1. год – Появляются первые сочинения.
2. год – Поступает в Петербургскую консерваторию.

1923 год – Шостакович закончил консерваторию по классу фортепиано. Педагогом по фортепиано у композитора был Л. Николаев.

1925 год – Закончил консерваторию по классу композиции. Педагогом по композиции был М. Штейнберг. В качестве дипломной работы Шостакович представляет Первую симфонию, которая принесла ему широкую известность.

1927 год – Шостакович послан на международный конкурс имени Шопена в Варшаву, где получил почетный диплом. Пишет Вторую и Третью симфонии, балеты «Золотой век», «Болт», оперу «Нос», фортепианные сочинения, а также музыку к кинофильмам «Одна», «Золотые горы», «Трилогия о Максиме».

1932 год – Композитор женится на Нине Варзар.

1934 год – В ленинградском Малом оперном театре поставлена опера «Катерина Измайлова» на сюжет Н. Лескова «Леди Макбет Мценского уезда». Премьера прошла с большим успехом. Пишет балет «Светлый ручей», начинает писать Четвертую симфонию, появляются Пятая и Шестая симфонии, фортепианный квинтет.

1937 год – Шостакович приглашен в Ленинградскую консерваторию профессором по классам композиции и оркестровки.

1. год – Начало Великой Отечественной войны. Пишет Седьмую симфонию («Ленинградскую»). Композитор эвакуируется с семьей в Куйбышев
2. год – «Ленинградская» симфония впервые была исполнена в Куйбышеве. Седьмая симфония звучит в США; партитура была доставлена боевым самолетом в Нью-Йорк.
3. год – Композитор переезжает в Москву. Написано несколько произведений: Восьмая симфония, посвященная Е. Мравинскому, Второе фортепианное трио памяти Соллертинского.

1948 год – Появилось постановление «Об опере «Великая дружба Мурадели», направленное и против Шостаковича. Его увольняют из консерватории. Пишет много произведений: музыку к кинофильмам, ораторию «Песнь о лесах», кантату «Над родиной нашей солнце сияет», Первый концерт для скрипки с оркестром, Десятую симфонию, много квартетов, вокальный цикл «Из еврейской народной поэзии», фортепианный цикл «24 прелюдии и фуги».

1950-е годы – Хрущевская «оттепель». Композитор обращается к симфоническому творчеству: пишет Одиннадцатую, Двенадцатую, Тринадцатую, Четырнадцатую, Пятнадцатую симфонии, симфоническую поэму «Казнь Степана Разина».

1961-1970 годы – Здоровье Шостаковича заметно ухудшается. Переносит два инфаркта, начинается болезнь центральной нервной системы. Шостакович подолгу лежит в больнице.

1975 год – В мае Шостакович приезжает в Дом творчества композиторов в Репино под Ленинградом. С трудом передвигается, продолжает сочинять сонату для альта и фортепиано.

Шостакович – явление уникальное в истории мировой музыкальной культуры. В его творчестве, как ни у какого другого художника, отразилась наша сложная жестокая эпоха, противоречия и трагическая судьба человечества, нашли воплощения те потрясения, которые выпали на долю его современников. Все беды, все страдания нашей страны в XX в. он пропустил через свое сердце и выразил в своих произведениях.

Мало кто из композиторов был так признан и прославлен при жизни, как он. Он был сразу возведен в ранг классиков. Зарубежные награды и дипломы были бесспорными – он был почетным членом всевозможных академий, университетов, лауреатом различных международный премий. Советских наград тоже было достаточно. Но это были пряники, которые сполна уравновешивались кнутом: постановлениями ЦК КПСС он не раз буквально уничтожался, обвинялся во всех грехах.

Композитор не был свободен в своем творчестве: он должен был выполнять приказы. Например, после знаменитого постановления 1948 г., в котором его творчество было названо формалистическим и чуждым народу, его послали в командировку за границу, где он должен был объяснять зарубежным корреспондентам, что критика в его адрес была правильной, что он действительно совершил ошибки и его правильно поправляют. Ему приходилось принимать участие в различных форумах, совещаниях, тратить на это много времени вместо того, чтобы сочинять музыку.

А это было главным для Шостаковича. Ей отдавал он все возможное время, сочинял повсюду – за рабочим столом, на отдыхе, в поездках, в больнице. Композитор обращался ко всем жанрам, и в каком бы жанре ни пробовал он свои силы, под его пером рождались выдающиеся произведения: балеты, оперы, инструментальные пьесы, концерты, песни, романсы, музыка к кинофильмам. Но прежде всего Шостакович – гениальный симфонист. Именно в его симфониях воплотилась история XX в., его трагедия, его страдания и бури.

С. Прокофьев принадлежит к числу тех музыкантов, которые составили славу русской музыки XX в. Он был выдающимся пианистом, дирижером, композитором, который работал во всех жанрах и в каждом оставил образцы непревзойденного совершенства. Начало столетия – взрывчатое, бурное время, и в этот вихревой поток Прокофьев ворвался как нечто неповторимое и новаторское. Неудивительно, что представители «серебряного века» (так называли этот период в искусстве) не поняли его музыку, и только немногие смогли увидеть в нем создателя нового искусства. Он был художником дерзким, своенравным, не терпевшим никаких штампов, и его произведения, как правило, были новым словом в искусстве.

Прокофьев был творцом светлого, жизнелюбивого искусства. Иносказательным портретом композитора могут служить строки из поэмы Маяковского «Облако в штанах»:

От вас, которые влюбленностью мокли,

От которых в столетья слеза лилась,

Уйду я, солнце моноклем

Вставлю в широко растопыренный глаз.

Действительно, он был солнечным композитором. Широко известно, что композитор завел альбом с названием «Что вы думаете о солнце?» Ответ на этот вопрос в альбом записывали многие крупные музыканты, литераторы, художники. Известнейший пианист Артур Рубинштейн написал в этом альбоме такие слова: «Лучше всего я постигаю Солнце благодаря нескольким гениальным личностям, с которыми имею счастье быть знакомым. Король-Солнце сказал: «Государство – это я!» Вы, мой дорогой Прокофьев, могли бы сказать: «Солнце – это я!» Этот солнечный свет был неистребим, и Прокофьев пронес его через все коллизии своей нелегкой жизни. Осталось только перечислить основные произведения композитора.

Оперы: «Маддалена» (1911), «Игрок» (1916), «Любовь к трем апельсинам» (1919), «Огненный ангел» (1919-1927), «Семен Котко» (1939), «Дуэнья» («Обручение в монастыре», 1940), «Война и мир» (1941-1943), «Повесть о настоящем человеке» (1947-1948).

Балеты: «Сказка про шута, семерых шутов перешутившего» (1915-1927), «Стальной скок» (1925), «Блудный сын» (1929), «На Днепре» (1930), «Ромео и Джульетта» (1936), «Золушка» (1944), «Сказ о каменном цветке» (1948- 1950).

Для симфонического оркестра: 7 симфоний (1916-1952), Симфония - концерт для виолончели с оркестром (1952), «Скифская сюита» (1914), симфоническая сказка «Петя и волк» (1936), симфоническая сюита «Вальсы» (Два пушкинских вальса, 1946), сюиты, поэмы, увертюры и т.д.

Вокально-симфонические произведения: «Семеро их» (1917), «Александр Невский» (1938), «Здравица» (1939), сюита «Зимний костер» (1949), оратория «На страже мира» (1950).

Для фортепиано: 9 сонат, «Сарказмы» (1914), «Мимолетности» (1917), «Сказки старой бабушки» (1918), «Детская музыка» (1935).

Концерты с оркестром: 5 для фортепиано (1911 - 1932), 2 для скрипки (1917, 1935), 2 для виолончели (1938, 1950)

Музыка для театра и многое другое.

Прокофьев и Шостакович. Два великих композитора, имена которых давно стали классикой XX века, творчество которых приковывало к ним постоянное внимание критиков, музыковедов, профессиональных музыкантов и просто любителей музыки.

Прокофьев. Творец светлого, жизнелюбивого искусства. Музыка Прокофьева ворвалась как вихрь, как нечто неповторимое, новаторское в бурное время начала XX века. Композитор, всегда остававшийся самим собой.

Шостакович. В его творчестве отразилась сложная, противоречивая эпоха современности. Композитора справедливо называют летописцем истории нашей страны. "Его память, слух, точность мысли и быстрота соображения, умение сразу найти нужное, не тратя много времени на поиски, легкость и непринужденность творчества - во всех этих и многих других качествах он почти не имеет себе равных", - так сказал о Шостаковиче известный пианист и педагог Генрих Нейгауз.

Сколь различны судьбы этих двух композиторов, сколь непохожи их творческие устремления! Но при этом их жизненные и творческие пути соприкасались, и неоднократно.

Сергей Сергеевич Прокофьев родился в 1891 году в семье агронома. Первой учительницей стала мать, Мария Григорьевна, которая полностью взяла на себя воспитание сына, занималась с ним музыкой, иностранными языками.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович родился в 1906 году в Петербурге (Ленинграде). Музыкой начал заниматься с девяти лет.

Самая первая пьеса Прокофьева - "Индийский галоп". В девять лет, после поездки в Москву, и посещения Большого театра, в 1900 году сочинил оперу "Великан" на собственное либретто.

Первые сочинения Шостаковича появились, когда ему было 12 лет. Они назывались: "Траурный марш памяти жертв революции", "Гимн свободе".

Обратим внимание на названия первых сочинений Шостаковича.

Их появление объясняет тот факт, что в свои 8-11 лет будущий композитор был свидетелем первой мировой войны, Февральской и Октябрьской революций.

В возрасте 13 лет и Прокофьев, и Шостакович поступили в Петербургскую консерваторию. Весной 1909 года Прокофьев заканчивает консерваторию как композитор, а в 1914 г. - по классу фортепиано.

Шостакович также закончил консерваторию и как пианист, и как композитор. Его Первая симфония, написанная сразу по окончании консерватории, сразу же принесла 19-летнему музыканту широкую известность.

Впервые пересеклись жизненные пути композиторов пересеклись в 1927 году, когда Прокофьев ненадолго приезжает в СССР и, наряду с выступлениями в Москве, Ленинграде, Киеве, Одессе, встречается с друзьями- музыкантами. Именно в этот приезд Прокофьев открыл для себя талантливых молодых композиторов и исполнителей, в числе которых был 20-летний Дмитрий Шостакович.

В 1932 году Прокофьев окончательно возвращается в СССР.

На протяжении насыщенного и богатого событиями творческого пути и Прокофьеву, и Шостаковичу довелось встретиться со многими талантливыми людьми. Среди них - 2 режиссера: один, Сергей Эйзенштейн - кинорежиссер; другой, Всеволод Мейерхольд - театральный.

В результате их дружеского общения появились совместные проекты, например фильм и кантата "Александр Невский" и "Клоп".

Фигуры этих композиторов имеют сходство и в том, что в их творчестве представлены почти все жанры. С.Прокофьев: опера, балет, симфония. Д.Шостакович: симфония, квартет

Наступила Великая Отечественная война. Композиторы откликнулись на это важное событие в истории нашей страны произведениями в разных жанрах. Так, Прокофьев занят сочинением оперы "Война и мир" по роману Л.Н.Толстого.

Нужно отметить, что композиторы проявляли интерес к творчеству друг друга. Так, Шостакович отзывается о "Войне и мире" в журнале "Советская музыка" следующим образом:

"...Будучи в Москве, я имел счастье познакомиться с "Войной и миром". К сожалению, мое знакомство было довольно беглым и торопливым. Анализировать не берусь. Но мне кажется, что первые 4 картины поистине великолепны. Проигрывая их, я задыхался от восторга и некоторые моменты играл помногу раз, что и задержало полное знакомство: не хватило времени проиграть все".

Безусловно, выдающимся произведением Шостаковича, которое являяется прямым откликом композитора на грозные события первых месяцев войны, является Седьмая симфония, получившая название "Ленинградская", в 1 части которой звучит знаменитый "эпизод нашествия"...

Еще до начала ВОВ Шостакович написал вариации на неизменную тему. Тема простая, как бы приплясывающая. Ее сопровождает дробь малого барабана. Она, звуча сначала безобидно, разрасталась затем до огромной мощи, вырастая в огромный символ подавления. »

10 февраля 1948 года вышло постановление ЦК ВКП (б) о борьбе с формализмом в музыке. В формализме, наряду с Шостаковичем, обвинялись С.Прокофьев, А.Хачатурян, Н.Мясковский, В.Шебалин.

В сентябре 1948 года Шостаковича выгнали из Ленинградской и Московской консерваторий, где он вел классы композиции. С тех пор он Никогда больше не преподавал и лишь в 1961 году ненадолго вернулся в Ленинградскую консерваторию - занимался с аспирантами, потом сам ушел оттуда и уже навсегда.

Почти все сочинения Прокофьева и Шостаковича несколько лет были под запретом и не исполнялись. Таким образом, композиторы лишились самого главного, помимо средств к существованию, - свободы творить. Мы можем лишь вообразить, что пережили они в своей творческой невысказанное - эти два гения, загнанные в угол, как затравленные звери...

Ведь Шостакович был в самом расцвете своего могучего таланта, ему было всего 42 года. Но насколько силен был нанесенный удар, может сказать список его сочинений за 6 лет (до смерти Сталина в 1953 г.).

Неизвестно, как реагировал Прокофьев на эту жестокую критику.

Он никогда не высказывался по этому поводу. Он молчал. Но, конечно, это не могло не отразиться на нем. Возможно, именно эти события окончательно подорвали его здоровье. Последним произведением, которое довелось композитору услышать в концертном зале, была Седьмая симфония. Это было в 1952 году.

Седьмая симфония задумывалась вначале как произведение для детей. В процессе работы родилась музыка, перешагнувшая рамки "детской симфонии", но обращение к детским образам сыграло важную роль в процессе сочинения. В этом, по сути, "прощальном" произведении соединились спокойствие, умудренность жизни и светлая печаль воспоминаний, чисто детская любовь ко всему таинственному, чудесному.

Дмитрий Шостакович о Седьмой симфонии Прокофьева высказался следующим образом: "Не верю, чтобы могли быть на свете люди, равнодушные к такой чудесной красоте... А ведь сочинял эту музыку - нежную и веселую, как аромат цветов, как песенка ребенка, музыку, исполненную неисчерпаемого здоровья и жизненной силы, сочинял эту музыку 60-летний человек - жизнь великого артиста уже догорала в те дни. Седьмая симфония была ее закатом. Какая же могучая воля руководила сознанием художника! С невольным преклонением я думаю об этом".

Кончина Прокофьева стала потрясением. Незадолго до этого впервые прозвучала Седьмая симфония Прокофьева, очень взволновавшая Шостаковича. Известно даже, что он написал автору восторженное письмо.

P.S. - "Горячо поздравляю вас с новой симфонией. Прослушал я ее вчера с огромным интересом и наслаждением от первой до последней ноты. Симфония получилась произведением высокого совершенства, глубокого таланта. Это подлинно мастерское произведение".

Данью огромного уважения творчеству Прокофьева стал отказ Шостаковича баллотироваться на присуждение Ленинской премии, так как он считал, что первым этого высокого звания должен быть удостоен именно Прокофьев. Шостакович был удостоен Ленинской премии в апреле 1958 года за свою Одиннадцатую симфонию.

ПРОКОФЬЕВ О ТВОРЧЕСТВЕ …

Я придерживаюсь того убеждения, что композитор; как и поэт, ваятель, живописец, призван служить человеку и народу. Он должен украшать человеческую жизнь и защищать ее. Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своем искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему. Таков, с моей точки зрения, незыблемый кодекс искусства

ШОСТАКОВИЧ О ТВОРЧЕСТВЕ...

Музыка сопровождает человека в течение всей его жизни...

Без музыки трудно представить себе жизнь человека. Без звуков музыки она была бы неполна, глуха, бедна. Любителями и знатоками музыки не рождаются, а становятся... Чтобы полюбить музыку, надо, прежде всего ее слушать. Любите и изучайте великое искусство музыки. Оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче, чище, совершеннее. Благодаря музыке вы найдете в себе новые, неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках.

125 лет исполнилось Сергею Прокофьеву — русскому гению XX века. Один из крупнейших композиторов в истории русской музыки, Сергей Прокофьев оставил большое наследие. Но сегодня хочется напомнить всем о тех произведениях композитора, без которых невозможна не только русская, но и мировая культура. Прокофьев сделал это! С днем рождения, Сергей Сергеевич!

«Петя и Волк»

Как-то так получилось, что в мировом рейтинге — это главное, самое популярное и самое узнаваемое произведение Сергея Прокофьева и русской классики XX века — возможно тоже. Симфоническая сказка исполнялась бессчетное количество раз всеми, кем только можно — от Михаила Горбачева и Питера Устинова до Дэвида Боуи и Стинга с Клаудио Аббадо. Очень важно, что вход детей в мир симфонической музыки во всем мире традиционно происходит с помощью наших Пети и волка.

Сергей Прокофев покинул Россию весной 1918 года и вернулся весной 1936. За эти годы он был в России только дважды с гастролями — в 1929 и 32 годах. А так — жил, в основном, в США, с женой испанкой и почитался серьезным композитором-авангардистом. «Петя и волк» — это его первое произведение написанное на новой советской Родине для детского театра Натальи Сац. Был до этого саундтрек к великому фильму «Поручик Киже», но этот заказ советского минкульта Прокофьев выполнил еще из-за границы. А вот «Петя и волк» — это такой мост между культурами и его фантастическая популярность, отчасти, основана и на этом тоже. Предлагаем две мультверсии этой истории — отечественную, кукольную и европейскую, от 2007 года

«Александр Невский»

Пуристы могут упрекнуть Самкульт в небрежности, мол, «Александр Невский» у Сергея Прокофьева существует в виде разных произведений, но речь идет не о произведениях, а о том, что Сергей Прокофьев, который рвался на Родину и с воодушевлением относился к работе на Советскую власть, еще до войны (1938) написал для фильма Эйзенштейна настоящий гимн русского патриотизма. «Вставайте, люди русские!» — та самая боевая песня русских воинов, встающих на пути псов-рыцарей. И фраза: эх, коротка кольчужка! — произносится под эту музыку. А сколько русских с этими словами и этой музыкой-набатом пошли на смерть за Родину? Конечно, есть в этом некое противоречие — перекормленный властью вчерашний композитор-модернист пишет псевдорусскую песню. Но именно у Прокофьева такое право было даже по рождению. Его мать — прекрасная пианистка, происходила из крестьян графьев Шереметевых, котрые всегда получали прекрасное образование. Именно мать подтолкнула Сережу к занятиям музыки, и мальчик из донецкой степи стал великим композитором XX века.

«Ромео и Джульетта»

В этом сказочном балете присутствует самая популярная в интернете музыкальная тема, вышедшая из под пера Прокофьева. Возможно, знатоки удивятся, но это «Танец рыцарей». Балет Прокофьева такая же визитная карточка России XX века, как и фильмы Тарковского и поэзия Ахматовой. Он является одним из самых популярных балетных произведений в мире, ставится всеми и всюду. Балет написан еще до возвращения в СССР и финал его был оптимистическим, в отличии от Шекспира, но потом вышла статья «Сумбур вместо музыки», в которой громили Шостаковича и композиторы сильно перепугались. Прокофьев переписал финал и сделал его трагическим. Как у Шекспира.

Придворный Прокофьев

Сергей Сергеевич, возвращаясь в СССР, понимал, что риски велики, но слава и возможности, ожидавшие его позволяли рисковать. Прокофьев получил Ленинскую премию и целых шесть сталинских! Одним из выдающихся его произведений является кантата к 60-летию Иосифа Виссарионовича. Особую пикантность этому произведению тоталитарного постмодерна придает тот факт, что кантата написана якобы на основе народных песен. А точнее — псевдонародных, имитирующих фольклор и народную любовь к вождю.

Неизвестный Прокофьев

В 1948 году гроза разразилась и над головой Прокофьева. Он попал под очередную кампанию по борьбе с. На этот раз боролись с формализмом, против отступления от принципов соцреализма. И шестая симфония Прокофьева вместе с экспериментальной оперой «Повесть о настоящем человеке» были разгромлены в пух и прах. Симфония позже была признана шедевром и регулярно исполняется, а вот опере повезло меньше. Премьера состоялась только после смерти композитора 7 октября 1960 года в Большом театре. В 2002 году концертное исполнение оперы состоялось под управлением В. А. Гергиева. В 2005 году опера была поставлена Д. А. Бертманом в Геликон-опере (Москва) под названием «Упавший с неба». Для своей постановки Бертман использовал сокращённую редакцию оперы А. Г. Шнитке, с использованием музыкального материала кантаты Прокофьева «Александр Невский». В том же году опера Прокофьева была поставлена (с купюрами) в Саратовском оперном театре. Полностью (без купюр) опера ни разу не ставилась. Но тем не менее, разошлась на мемы еще в доинтернетовскую эпоху: гангрена, гангрена, ему отрежут ноги — все знают это со школы. И это тоже Прокофьев.

Сергей Прокофьев

Среди многих воспоминаний об одном из великих, неповторимо своеобразных музыкантов пашей эпохи - Сергее Сергеевиче Прокофьеве - особенно интересно одно, рассказанное им самим в начале краткой автобиографии: "Вступительный экзамен прошел довольно эффектно. Передо мной экзаменовался мужчина с бородой, принесший в качестве всего своего багажа романс без аккомпанемента. Я вошел, сгибаясь под тяжестью двух папок, в которых лежали четыре оперы, две сонаты, симфония и довольно много фортепианных пьес. "Это мне нравится!" - сказал Римский-Корсаков, который вел экзамен".

Прокофьеву было тогда 13 лет! И если в этом возрасте можно "сгибаться под тяжестью" такого творческого багажа, то биография композитора заслуживает внимания, по-видимому, с самых ранних лет его жизни. В летописях русских композиторов мы не встречаем случаев "вундеркиндства". Начиная с Глинки, впрочем, и с доглинкинских времен, тяга к сочинительству проявлялась в более зрелом, юношеском, а не в детском возрасте и на первых порах ограничивалась фортепианными пьесками и романсами. Прокофьев же положил на экзаменационный стол оперные клавиры, партитуру симфонии; держался он независимо, уверенно; о музыке судил решительно, что называется, "с полным знанием предмета", чувства собственного достоинства в нем было хоть отбавляй.

Биография этого своеобразного человека началась в провинциальной глуши, в Сонцовке - недалеко от Екатеринослава, где отец его был управляющим имением. Здесь, под руководством матери, хорошей пианистки, начались занятия музыкой, когда будущему автору "Любви к трем апельсинам" не исполнилось еще пяти лет. Придумывать, сочинять музыку Прокофьев начал, примерно, тогда же и этого занятия он никогда больше не оставлял. Оно было органической потребностью каждого дня его жизни. Определение "композитор" было для Прокофьева гак же естественно, как "человек".

Две оперы - "Великан" и "На пустынных островах", сочиненные и даже записанные Прокофьевым в возрасте 9-10 лет, разумеется, не могут приниматься в расчет при рассмотрении его творческого пути, они детски наивны. Но свидетельством дарования, настойчивости, показателем стремления к какой-то масштабности" они могут служить.

Одиннадцатилетний композитор был представлен С. И. Танееву. Большой музыкант и строгий педагог признал у мальчика несомненное дарование и рекомендовал серьезно заниматься музыкой. Следующая глава биографии Прокофьева уже вовсе необычна: в течение летних месяцев 1902 и 1903 годов ученик Танеева Р. М. Глиэр занимался с Сережей Прокофьевым композицией. Результат первого лета - четырехчастная симфония, второго лета - опера "Пир во время чумы". Это была, как вспоминал Прокофьев много лет спустя, "настоящая опера, с вокальными партиями, оркестровой партитурой и увертюрой в сонатной форме".

В возрасте 13 лет Прокофьев, как известно, вступил на путь профессиональных занятий музыкой уже в стенах Петербургской консерватории.

Учась у А. К. Лядова, Н. А. Римского-Корсакова по композиции и у А. А. Винклера и А. Есиповой по фортепиано, С. Прокофьев не ограничивался выполнением классных заданий. Он писал много, далеко не всегда согласовывая, как и что писать, с академическими правилами. Уже тогда сказывалось столь типичное для Прокофьева творческое своеволие, источник многих конфликтов с "признанными авторитетами", источник сугубо индивидуальной, прокофьевской манеры письма.

В декабре 1908 года семнадцатилетний Прокофьев впервые выступил в публичном концерте. В числе других фортепианных пьес он сыграл "Наваждение", в котором слышится типично прокофьевская остродиссонирующая гармония, пружинистая ритмика, нарочито суховатая, дерзкая моторность. Критика реагировала мгновенно: "Молодой автор, еще не закончивший своего художественного образования, принадлежа к крайнему направлению модернистов, заходит в своей смелости гораздо дальше современных французов". Ярлык приклеен: "крайний модернист". Напомним, что к концу первого десятилетия века модернизм пышно расцвел и давал все новые и новые побеги. Поэтому на долю Прокофьева приходилось довольно много "определений", звучавших нередко как бранные клички. С консерваторским "начальством" и педагогами Прокофьев не нашел общего языка. Наиболее близко он сошелся только с Н. Н. Черепниным, преподававшим дирижирование. В эти же годы завязалась дружба Прокофьева с Н. Я. Мясковским, солидным музыкантом, десятью годами старше его.

Молодой Прокофьев становится частым гостем "Вечеров современной музыки", где исполнялись всего рода новинки. Прокофьев был первым в России исполнителем фортепианных пьес Арнольда Шёнберга, тогда еще не создавшего своей додекафонической системы, но писавшего достаточно "остро".

Судя по посвящению, написанному Прокофьевым на партитуре симфонической картины "Сны": "Автору, начавшему "Мечтами" (т. е. Скрябину),- Прокофьев не избежал увлечения, которым охвачено было подавляющее большинство молодых музыкантов. Но по Прокофьеву это увлечение только скользнуло, не оставив заметного следа. По своему характеру Прокофьев - четкий, решительный, деловитый, спортивного типа человек, менее всего походил на композитора, которому близка скрябинская утонченность, мечтательность или - в другом плане - экстатичность.

Уже в "Марше" для фортепиано, входящем в цикл "Десять пьес" (1914), слышится типичная для Прокофьева дальнейших десятилетий упругая, волевая, броская манера, которая близка манере письма Маяковского тех лет.

Два последовавших один за другим фортепианных концерта (1912, 1913) - свидетельство творческой зрелости композитора. Они разные: в Первом дает о себе знать желание во чтобы то ни стало эпатировать", ошарашить публику; Второй же концерт значительно более поэтичный. Прокофьев сам писал о своих концертах: "Упреки в погоне за внешним блеском и в некоторой "футбольности" Первого концерта повели к поискам большей глубины содержания во Втором".

Публика и подавляющее большинство критиков встретили появление Прокофьева на петербургской концертной эстраде дружным шиканьем. В фельетоне "Петербургской газеты" писали, что "Прокофьев садится за рояль и начинает не то вытирать клавиши, не то пробовать, какие из них звучат повыше или пониже".

К 1914 году Прокофьев "разделался" с консерваторией по обеим специальностям - композиторской и пианистической.

В награду родители предложили ему поездку за границу. Он выбрал Лондон. Там гастролировала оперно-балетная труппа Сергея Дягилева, репертуар которой очень интересовал Прокофьева. В Лондоне он был захвачен "Дафнисом и Хлоей" Равеля и двумя балетами Стравинского: "Жар-птицей" и "Петрушкой".

В беседах с Дягилевым возникают первые, неясные еще очертания балета на русскую доисторическую тему. Инициатива принадлежала Дягилеву, а наталкивала его на эти мысли, несомненно, "Весна священная".

По возвращении в Россию Прокофьев принимается за работу. Как это нередко бывало в истории балетного театра, слабая драматургическая основа даже при наличии отличной музыки не приводит к успеху. Так было и с прокофьевским замыслом балета "Ала и Лоллий", либретто к которому сочинил поэт Сергей Городецкий. В музыке явно ощущаются влияния Стравинского. Это и понятно, если учесть, что атмосфера скифского "варварства" "Алы и Лоллия" та же, что и в "Весне священной" и даже некоторые сюжетные ходы очень похожи. А кроме того, не могла музыка такой гигантской впечатляющей силы как "Весна священная" не захватить молодого Прокофьева. Несколько позже - между 1915 и 1920 гг.- возникает балет "Сказка про шута, семерых шутов перешутившего". На этот раз Прокофьев сам пишет либретто, заимствуя сюжет в русских сказках из сборника А. Афанасьева. Озорная музыка русского характера удалась композитору. Балет получился живой, изобилующий остроумными эпизодами и напоминающий "скоморошьи игрища". В нем Прокофьев "вдоволь натешился" иронией, гротеском, сарказмом,- столь для пего типичными.

Многие современники молодого Прокофьева и даже исследователи его творчества проглядели в его музыке "лирическую струю", пробивавшуюся сквозь остросатирические, гротесковые, саркастические образы, сквозь нарочито грубоватые, тяжеловесные ритмы. А их много, этих лирических, застенчивых интонаций в фортепианных циклах "Мимолетности" и "Сарказмы", в побочной теме первой части Второй сонаты, в романсах на стихи Бальмонта, Апухтина, Ахматовой.

Отсюда протянутся нити к "Сказкам старой бабушки", "Ромео и Джульетте", к музыке Наташи Ростовой, к "Золушке", к пушкинским вальсам. Заметим, что в этих произведениях господствуют чувства сильные, но застенчивые, "боящиеся" внешнего своего выражения. Прокофьев иронически относится к преувеличениям романтического "мира взволнованных чувств". Для такого антиромантического скептицизма - среди многих других сочинений - очень показателен романс "Кудесник" на стихи Агнивцева.

Антиромантические тенденции Прокофьева сказываются и в его симпатиях к прозе, прозаическим текстам. Здесь можно говорить о влияниях Мусоргского, тем более что Прокофьев нередко облюбовывает тот тип мелодии, который близок речевым интонациям. В этом отношении очень показателен его "Гадкий утенок" для голоса и фортепиано, который трудно назвать романсом. Мудрая и добрая сказка Андерсена, вселяющая веру в добро и свет, привлекла Прокофьева своим гуманизмом.

Одно из первых исполнений "Гадкого утенка" слушал А. М. Горький в концерте, в котором он читал первую главу своего "Детства". Восхищенный "Утенком" Горький высказал догадку: "...а ведь это он про себя написал, про себя!"

В январе 1916 года Прокофьеву пришлось пройти через испытание, заставляющее вспоминать о вечере премьеры "Весны священной" Стравинского. Это было первое исполнение "Скифской сюиты", которой он сам дирижировал. Публика громко выражала свое возмущение "диким произведением". Рецензент "Театрального листка" писал: "Прямо невероятно, чтобы такая, лишенная всякого смысла пьеса могла исполняться на серьезном концерте.... Это какие-то дерзкие, нахальные звуки, ничего не выражающие, кроме бесконечного бахвальства".

Прокофьев стоически выдерживает такого рода критические оценки и такого рода реакции зала. Присутствуя на публичных выступлениях Д. Бурлюка, В. Каменского, В. Маяковского, он привыкает к мысли, что новаторские тенденции в любом искусстве не могут не вызывать бурных реакций публики, имеющей свои, устоявшиеся вкусы и считающей всякое их нарушение посягательством на личность, достоинство, приличия.

В предреволюционные годы Прокофьев занят работой над оперой "Игрок" по повести Достоевского. Здесь он еще ближе подходит к Мусоргскому. "Игрок" по многим причинам будет отложен Прокофьевым чуть ли не на десять лет, премьера его состоится в Брюсселе только в 1929 году.

Во время работы над "Игроком", возможно, в противовес щедро рассыпанным в партитуре новшествам, Прокофьев задумывает симфонию, построенную по строгому канону классических образцов этого жанра. Так возникает одно из обаятельнейших сочинений молодого Прокофьева, его Классическая симфония. Жизнерадостная, светлая, без единой "морщинки на челе" музыка, только одной своей темой прикасается к иной эмоциональной сфере, к мечтательной лирике, это мелодия скрипок в предельно высоком регистре звучащая в начале второй части. Первое исполнение Классической симфонии, посвященной Б. В. Асафьеву, состоялось под управлением автора уже после революции, в 1918 году. На концерте присутствовал А. В. Луначарский.

В беседе с ним Прокофьев выразил желание отправиться в длительную концертную поезду за рубеж. Луначарский не стал возражать. Так, в 1918 году Прокофьев уехал за границу.

В начале он концертировал в Японии, а оттуда направился в США. В своих воспоминаниях Прокофьев пишет: "Из Иокагамы, с чудесной остановкой в Гонолулу, я перебрался в Сан-Франциско. Там меня не сразу пустили на берег, зная, что в России правят "максималисты" (так в то время в Америке называли большевиков) - народ не совсем понятный и, вероятно, опасный. Продержав дня три на острове и подробно опросив ("Вы сидели в тюрьме?"- "Сидел".- "Это плохо. Где же?" - "У вас, на острове".- "Ах, вам угодно шутить!"), меня впустили в Соединенные Штаты".

Три с половиной года, прожитых в США, прибавили к списку сочинений Прокофьева оперу "Любовь к трем апельсинам" и несколько камерных произведений.

Уезжая из России, Прокофьев захватил с собой театральный журнал "Любовь к трем апельсинам", где напечатан был сценарий одноименной сказки итальянского драматурга Карло Гоцци, переработанный В. Мейерхольдом. По ней Прокофьев написал либретто и музыку оперы.

"Любовь к трем апельсинам" может быть названа иронической сказкой, в которой реальность, фантастика, театральная условность сплетаются в увлекательное представление, наделенное яркой сценической формой, родственной итальянской "комедиа дель арте". За время - почти полвека,- отделяющее нас премьеры "Любви к трем апельсинам", опера эта вошла репертуар многих театров.

Впервые, после долгих мытарств, она была поставлена в Чикаго в конце 1921 года. За две недели до премьеры "Апельсинов" там же, в Чикаго, состоялось первое исполнение Третьего Фортепианного концерта. Сольную партию играл автор. В, этом концерте царит "русский дух" в языке, в образах, то по-свирельному задушевных (вступление), то по-кощеевски зловеще-сказочных, то размашистых, как щедрая сила русского молодечества. Из пяти фортепианных концертов (Четвертый и Пятый написаны в начале 30-х годов) именно Третий пользуется по сей день наибольшей популярностью, может быть, еще и потому, кто в нем слышится голос фортепианного "всемогущества", заставляющий вспомнить о пафосе концертов Чайковского и Рахманинова. Эту особенность концерта образно и ярко выразил поэт Константин Бальмонт: "И в бубен солнца бьет непобедимый скиф".

Переехав в начале 1920 года в Европу,- в Париж, Прокофьев возобновил свои связи с Дягилевым, но ненадолго. Встреча сo Стравинским перешла в ссору, а это повлекло за собой изменения во взаимоотношениях и с Дягилевым. Опытнейший импресарио, человек с отличным "нюхом", Дягилев почувствовал, что Прокофьев не может рассчитывать на успех у той части публики, которую одни почтительно называют "элитой", другие - более трезво - снобами. Короче, ей, "элите", не понравился давно написанный, но впервые в 1923 году исполненный в Париже Скрипичный концерт, недостаточно, по ее мнению, "наперченный". И тогда Прокофьев, желая взять реванш, настолько "переперчил" Вторую симфонию, что она отшатнула и "левую часть" зала. Прокофьев оказался не в "парижской тональности", не в фаворе. Значит, по логике Дягилева, с ним не к чему и знаться.

В мире дипломатическом, во влиятельных "салонах" интерес к "стране большевиков" рос день ото дня. Это не прошло мимо внимания Дягилева. После двухлетней холодности Сергей Дягилев обратился по-старому, по-дружески к Прокофьеву. Речь шла о балете из... советской жизни. Автором либретто предполагался И. Эренбург. Окончательный выбор пал на Г. Якулова. Название балета "Стальной скок" интриговало. Поставленный балетмейстером Леонидом Мясиным "Стальной скок" ни в Париже, ни в Лондоне, где его показали во время гастролей дягилевской труппы, не имел успеха и, строго говоря, не мог его иметь. Балет, лишенный сквозного действия, представлял собой отдельные, не связанные, друг с другом эпизоды: поезд с мешочниками, Комиссары, ирисники и папиросники, Оратор. Во второй (последней) картине балета на сцене балетная труппа демонстрировала движение машин, станков, уханье паровых молотов.

В 1927 году Сергей Прокофьев совершил большое концертное турне по Советскому Союзу. Он был обворожен ленинградской постановкой "Трех апельсинов", приемом, оказанным ему как композитору и пианисту в Москве, Ленинграде, Харькове, Киеве, Одессе. Он как бы заново надышался воздухом родной земли.

Из произведений конца 20-х годов наиболее интересны Третья симфония (к ней мы еще вернемся) и балет "Блудный сын", поставленный в мае 1929 года. Здесь Прокофьев снова показал силу своего дарования. Музыка "Блудного сына" захватывает своей мудрой простотой, теплом, благородством тематизма. Контрастные сцены: вакханалия пира и утро после разгульной ночи, а затем - полная скорби и смирения сцена возвращения героя балета-притчи под отчий кров, - производят сильное впечатление. Балет "Блудный сын" - ближайший подступ к трем балетам, написанным Прокофьевым после возвращения па родину, балетам, умножившим его мировую славу.

О возвращении домой Прокофьев давно мечтал. В мемуарах одного из его французских приятелей приводятся высказывания Сергея Сергеевича: "Воздух чужбины не возбуждает во мне вдохновения, потому что я русский и нет ничего более вредного для человека, чем жить в ссылке, находиться в духовном климате, не соответствующем его расе. Я должен снова окунуться в атмосферу моей родины, я должен снова видеть настоящую зиму и весну, я должен слышать русскую речь, беседовать с людьми, близкими мне. И это даст мне то, чего так здесь не хватает, ибо их песни - мои песни".

В 1933 году Сергей Прокофьев вернулся па родину. Но родина изменилась. За шестнадцать послереволюционных лет выросла новая аудитория с своими убеждениями, запросами, вкусами. Это была не та аудитория, которую Прокофьев помнил по годам своей молодости, и не та, которую он встречал за рубежом. Гигантски выросла художественная, эстетическая культура, крепкими узами связанная с революционным мировоззрением, дающим возможность свободно, правдиво воспринимать и так же трактовать явления жизни, понимая, куда движется история. Пробуя свои силы в новых для него условиях, Прокофьев принимает предложение написать музыку к кинофильму "Поручик Киже". Вот где дало себя знать присущее Прокофеву музыкальное остроумие! Эпоха павловской казарменной муштры, невеселого посвиста флейт под барабанную дробь, скачущих на перекладных фельдъегерей с выпученными от усердия глазами, была эпохой, когда и жеманные фрейлины, и стряпухи по сто раз на дню запевали: "Стонет сизый голубочек, стонет он и день и ночь..." Приволье для музыки! К тому же музыки иронической. Прокофьев сочинил именно такую музыку, какой от него ждали: острую, предельно точную, мгновенно сливающуюся с действием, с человеком, пейзажем. И "Свадьба Киже", и "Тройка", и жуткая барабанная дробь, под которую вели "преступника Киже" в Сибирь,- все это звучало в высшей степени выразительно благодаря гротесковости, объединяющей жуткое и смешное.

Так начался новый, важнейший этап творческой биографии Прокофьева. В том же, 1933 году он написал музыку к постановке "Египетские ночи" в Московском Камерном театре и снова доказал, что даже в этом жанре, дающем композитору, казалось бы, самые скромные возможности, можно создавать произведения высокого достоинства.

К жанру киномузыки и музыки в драматическом театре Прокофьев обращается неоднократно. Особенно большое впечатление оставила его музыка к двум фильмам Сергея Эйзенштейна: "Александр Невский" и "Иван Грозный". В музыке к "Александру Невскому" (1938) Прокофьев продолжил линию эпического симфонизма, идущую от Бородина. Такие эпизоды, как "Русь под игом монгольским", "Ледовое побоище", хор "Вставайте, люди русские", захватывают своей реалистической силой и строгой монументальностью. Не иллюстрация к кинокадру, а симфоническое обобщение темы, конкретизированной на экране, занимает композитора. Несмотря на то, что музыка накрепко связана с изображением, она имеет самостоятельную, очень высокую ценность, о чем свидетельствует созданная на ее основе кантата "Александр Невский" для оркестра, хора и солистки.

В этом же плане написана и музыка к фильму "Иван Грозный" (1942). Уже после смерти Прокофьева дирижер А. Стасевич объединил наиболее значительные эпизоды музыки в ораторию "Иван Грозный" - произведение огромной, потрясающей силы.

Вторая половина 30-х годов ознаменовалась сочинением одного из лучших произведений Прокофьева - балета "Ромео и Джульетта". Поставленный в начале 1940 года Л. Лавровским на сцене Ленинградского театра оперы и балета им. С. М. Кирова, он сыграл огромную роль в истории мировой хореографической культуры, будучи первым спектаклем, средствами музыки, танца и пантомимы полноценно воплотившим шекспировскую трагедию. Г. Уланова - Джульетта, К. Сергеев - Ромео, Р. Гербек - Тибальд, А. Лопухов - Меркуцио по праву вошли в число наиболее выдающихся исполнителей шекспировских ролей. Своим балетом Прокофьев поднял уровень балетной музыки на такую ступень, которой после Чайковского, Глазунова и Стравинского она не достигала, что в свою очередь, поставило новые задачи перед каждым композитором, пишущим балетную музыку. Симфонические принципы, определяющие стиль и сущность музыки "Ромео и Джульетты", получили дальнейшее развитие в двух балетах Прокофьева - "Золушке" (1944) и "Сказе о каменном цветке" (1950).

С "Золушкой" родился один из самых поэтичных спектаклей о горестной жизни падчерицы, униженной, осмеянной злой мачехой и ее дочерьми Злюкой и Кривлякой. В те далекие годы, когда писались романсы па стихи Бальмонга, Апухтина и Ахматовой, полные очарования "Сказки старой бабушки", посеяны были зерна, взошедшие в партитуре "Золушки" музыкой, излучающей волны человечности и жизнелюбия. В каждом эпизоде, где появляется Золушка или где о ней только "упоминается", музыка наполняется душистым теплом и лаской. Из всего, написанного Прокофьевым, "Золушка" ближе всего к балетной драматургии Чайковского, тоже не один раз помышлявшего о балете на этот сюжет...

Последний балет Прокофьева - "Сказ о каменном цветке". "Малахитовая шкатулка" Бажова наполнилась чудесной русской музыкой, порожденной фантастическими и реальными образами стародавних сказов уральских камнерезов и ярчайшим из них образом Медной горы хозяйки, то красивой женщины, то злобной малахитовой ящерицы, хранящей тайну каменного цветка.

Рядом с балетами важное место в творческой биографии Прокофьева занимают его оперы. В этом жанре композитор шел сложным путем. Начав с одноактной "Маддалены", кровававой драмы, разыгрывающейся на фоне пышной жизни Венеции XV века, он обращается к следующей своей опере – к "Игроку" Достоевского, от него к уже упоминавшейся сказке Карло Гоцци "Любовь к трем апельсинам", первой опере, завоевавшей прочный успех. После иронической, легкой и веселой музыки "Апельсинов", композитор погружается внезапно в мрак средневековья в опере на сюжет повести В. Брюсова "Огненный ангел", где эротика, ужасы инквизиции чередуются с исступленными прорицаниями и кабалистикой. Музыка, написанная под влиянием вовсе несвойственной Прокофьеву экспрессионистской эстетики, позже использована им в Третьей симфонии.

Многие годы Прокофьев не обращался к оперному жанру. И только в 1939 году увлекся повестью В. Катаева "Я - сын трудового народа". На ее основе он написал оперу "Семен Котко". Совсем новым языком заговорил Прокофьев во многих эпизодах этой оперы, восстановив, очевидно, в памяти детские впечатления об Украине, о песнях, звеневших в Сонцовке, о самой атмосфере, насыщенной благодатным украинским теплом. Не отсюда ли возникли лирические интонации в диалогах-дуэтах Семена Котко и возлюбленной его Софьи Ткаченко, или радующие своей трогательной наивностью характеристики Фроси и Миколки? При неотъемлемых достоинствах "Семена Котко" пристрастие Прокофьева к прозаизмам, к разговорной манере интонаций, поначалу помешали первой опере Прокофьева на современный сюжет занять место в репертуаре наших театров. Манера эта скажется в еще большей степени в последней опере "Повесть о настоящем человеке" (1948) по книге Б. Полевого.

Совсем по-иному сложилась судьба двух полярно различных опер: лирической комедии "Обручение в монастыре" (1940) и монументальной эпопеи "Война и мир" (1941-1952), Первая из них - кружевная стилизация комической оперы XVІІI века, с типичными персонажами итальянского комедийного театра: ворчливым отцом молоденькой красавицы, сосватанной за богатого торговца, но любящей красивого бедного юношу; с уродливой, пронырливой дуэньей, поставившей целью своей женить на себе отвергнутого красавицей торговца; с параллельно развивающейся интригой второй пары влюбленных и с финалом, в котором все три пары преблагополучно отправляются под венец. Говоря о стилизации, мы не имели в виду "подражание", а только веяние, налет жанровых особенностей оперной музыки Моцарта, Россини, придающих прокофьевской музыке новое очарование.

Нужно ли доказывать, как необычен и невероятно труден творческий подвиг создания оперы на сюжет романа-эпопеи "Война и мир". Первая трудность - соотношение масштабов литературного подлинника и возможного в опере максимума сценического времени. Даже созданная Прокофьевым первая редакция, длящаяся два вечера, не могла охватить толстовской эпопеи во всех подробностях, хотя в опере участвуют 73 персонажа (!), не считая гостей на балу, солдат, крестьян, партизан.

В "Войне и мире" Прокофьева есть сцены, оставляющие впечатление, поистине незабываемое: первый бал Наташи; сцена в Отрадном: разговор Наташи и Сони у окна и размышления князя Андрея о весне; неудавшееся бегство Наташи из дома Ахросимовой; визит Ростовых к старику Болконскому. Один из самых потрясающих эпизодов оперы - сцена бреда и смерти Андрея Болконского. И, хотя в опере много превосходных эпизодов в III акте: перед Бородинским сражением, Шевардинский редут, и финальная, очень впечатляющая сцена - Смоленская дорога и торжество русского оружия,- наибольшее впечатление оставляет музыка, рассказывающая о душевном мире героев личной драмы: Наташи, Андрея, Пьера Безухова, Анатоля и т. д.

Прокофьев несколько раз возвращался к "Войне и миру", вносил коррективы в драматургию, дописывая одни, изменяя или даже изымая другие эпизоды, видимо, не удовлетворяясь достигнутым. Оперой "Война и мир" он внес в историю русской классической оперы произведение грандиозное, насыщенное патриотической идеей.

"Войну и мир" Прокофьев писал в трудное время, находясь в эвакуации на Кавказе: в Нальчике и Тбилиси. Задуманная еще перед войной, опера "вылилась" единым потоком, несомненно, как отклик композитора-патриота на грозные события военных лет.

В те же годы возникла трехчастная симфоническая сюита "1941 год" ("В бою, "Ночью" и "За братство народов") и кантата для солистов, хора и оркестра "Баллада о мальчике, оставшемся неизвестным" на стихи Павла Антокольского. В этих произведениях, равно, как и в песнях "Клятва танкиста", "Любовь воина", "Сын Кабарды", композитор стремится к широкому кругу жанров, в которых могут быть выражены волновавшие его, как и каждого советского человека, темы. Если в этих произведениях тема войны дана прямо, в "раскрытом виде", то в других - она заключена в глубине замысла и воспринимается сквозь призму сложных ассоциаций.

Такова его Седьмая соната для фортепиано, захватывающая могуществом образного строя, в основе которого столкновение и яростная борьба двух враждебных стихий. Она создавалась в самое напряженное время войны, когда решалась судьба страны, когда так трагически сплетались образы жизни и смерти. Тот светлый мир, во имя и для спасения которого и идет битва, раскрывается в поразительно напевной музыке II части. Эта музыка глубокого благородства, сердечности и чистоты. Финал стремителен и напорист. Устремленно, опираясь на стальную упругость ритма, развертывается, несется лавина звуков, бушующая, неудержимая, одновременно суровая и ликующая.

Ни одна из девяти фортепианных сонат не имеет литературной программы. И тем не менее образный строй каждой достаточно ясен. В Шестой сонате (1940) торжествуют воля и четкость, а рядом - юмор и лирика, в финале же им противостоит суровая и гневная тема; в Восьмой (1944) господствует лирика, только подчеркиваемая контрастирующими с ней темами; в последней, Девятой сонате (1947) все светло, прозрачно, подернуто дымкой то ли мечтательности, то ли печали, как в погожий осенний день.

Сергей Прокофьев был великолепным пианистом, прославленным исполнителем своей музыки. Но и другие пианисты, такие, как Софроницкий, Нейгауз, Гилельс, Юдина, Рихтер, а за ними и более молодые ввели в свой репертуар прокофьевские сонаты, обнаруживая в этом богатейшем мире образов, идей, душевных состояний все новые и новые глубины.

В сонатах Прокофьева легче установить закономерности содержания и расположить их в последовательный ряд, чем в его симфониях, в значительной своей части связанные с театральной музыкой или с тематическим материалом, предназначавшимся для других жанров и форм. Вторая симфония носила, в известной мере, экспериментальный характер и была написана, по выражению композитора, для "покорения Парижа" или закрепления "покорения". Материалом для Третьей симфонии послужила, как указывалось музыка оперы "Огненный ангел", в Четвертой, так же, как "Симфония псалмов" Стравинского, заказанной к 50-летию Бостонского оркестра, весь тематизм непосредственно связан с балетом "Блудный сын". И только последние три симфонии - Пятая, Шестая и Седьмая - написаны, подобно Классической, как произведения с заранее продуманной концепцией. О Пятой симфонии (1944) автор писал: "Я задумал ее как симфонию величия человеческого духа". В ней действительно есть величавость и воля, широта и яркость "бородинского" эпического сказывания о герое, черты, роднящие симфонию с наиболее монументальными творениями Прокофьева, музыкой к "Александру Невскому", "Ивану Грозному", оперой "Война и мир".

Написанная в конце 40-х годов Шестая симфония, по мысли автора, должна ассоциироваться с недавним прошлым, с отзвуками военных лет. Ее сгущенная, мрачная атмосфера заставляет вспомнить о Второй симфонии, перенасыщенной экспрессионистскими сложностями. Совершенным контрастом, антиподом этих симфоний выступает лучезарная и юная по духу Седьмая, сочиненная в 1952 году, одно из последних произведений Сергея Сергеевича. Все в ней просто, мудро и светло. Лирическая взволнованность I части, обаятельный вальс школьного бала - II, раздумье - III и солнечный, юношеский, звенящий, как пляж в Артеке, финал. После Гайдна не много написано таких по-чудесному жизнерадостных симфоний во всей истории этого жанра.

Прокофьев любил детей и охотно обращался к музыке для юных слушателей. В веселой "Болтунье" на стихи Агнии Барто (1939), о "Пете и волке" - увлекательной истории о бесстрашном пионере (1936), в захватывающей понятной даже самым маленьким, сюите "Зимний костер" (1949), всюду, где Прокофьев обращается к детям, слышится, чувствуется любовь к новой поросли - будущему Земли.

Великий музыкант, Прокофьев был и великим тружеником, отдавшим сочинению музыки пятьдесят лет из прожитых шестидесяти двух. Его огромный талант после бурного цветения в молодые годы, подвергся трудным испытаниям на чужой почве. После пятнадцатилетнего отсутствия, вернувшись на родину, Прокофьев испытывал неодолимую потребность постичь, что произошло за эти годы в нашей стране. Умный, внимательно "вчитывающийся" в книгу жизни, он постиг величие революционных преобразований, охвативших все стороны деятельности советского общества и советского человека. В 1937 году, к двадцатилетию Октября, он создал Кантату, взяв для нее тексты из "Коммунистического манифеста", "Тезисов о Фейербахе", из книги В. И. Ленина "Что делать?", из Конституции Советского Союза. Возникло необычное произведение огромной художественной и публицистической силы.

А в конце 1950 года прозвучала торжественная и строгая оратория "На страже мира" на стихи С. Маршака. "Я хотел выразить в этой вещи свои мысли о мире и войне, уверенность, что войны не будет, что народы земли отстоят мир, спасут цивилизацию, детей, наше будущее", - писал автор.

О Прокофьеве можно сказать: великий музыкант нашел свое место и среди великих преобразователей жизни.

Прав был Илья Эренбург, когда писал: "Это был большой человек, и потомки не смогут понять трудного и славного времени, которое мы еще вправе назвать нашим, не вслушиваясь в произведения Сергея Прокофьева и не задумываясь над его необычайной судьбой".